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TUhjnbcbe - 2024/8/24 16:13:00
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艺术与窗,渊远流长。大腕儿爱画窗:静谧如约翰内斯·维米尔、神秘如卡斯帕·大卫·弗里德里希、浪漫如皮埃尔·博纳尔、热烈如亨利·马蒂斯,抽离如爱德华·霍珀,都曾为世人留下弥足珍贵的窗景画。可以说,打开了“窗”,便能望见艺术史。

斯帕·大卫·弗里德里希,《窗边的女人》,

翻开艺术理论,可以发现其中不少都围绕着窗:五百年前,莱昂·巴蒂斯塔·阿尔贝蒂就曾将绘画比作一扇敞开的窗;欧文·潘诺夫斯基与鲁道夫·阿恩海姆是这一理论的追随者;于伯特·达弥施认为“窗”是现代艺术迈向抽象进程的重要线索——这意味着卡西米尔·塞文洛维奇·马列维奇、罗伯特·德劳内、彼埃·科内利·蒙德里安等人的“格子画”与窗的物质形态相关。几十年后,兴起于美国的色域绘画和极简主义进一步延续“窗”的母题,更不用说一切以实体窗框创作的装置艺术了。

文艺复兴的画中窗

文艺复兴时期,窗是绘画中的常见图示。一方面,欧洲结束了长达千年的拜占庭统治,艺术家们受人本主义思潮影响,试图创作出更接近“真实”的作品,即便是“三圣”主题宗教画,亦流露出神性与世俗的平衡;另一方面,科学透视法的诞生让艺术家可以在作品中展示更客观、准确的比例。因此,越来越多的生活场景被纳入画中,窗是其中的符号之一。

画中的窗有不同的布局和形式。它或是肖像的背景——桑德罗·波提切利就曾为当时的贵妇西蒙奈塔·维斯普奇绘制一件窗前侧影;它或是分割画面的工具—安东尼罗·德·梅西纳曾在《书房中的圣哲罗姆》设置了远近不一的窗口;它也可能是真实存在的窗口—扬·凡·艾克曾记录一对夫妇在窗旁宣誓婚约的瞬间。画中有窗,是西方绘画由神性走向世俗的表征。

窗置于画中,不仅是自然主义的体现,也具备功能和隐喻。

首先,它的存在分割了画面空间,既能更准确地显示近大远小的比例,还巧妙地产生“画中画”的效果。以《书房中的圣哲罗姆》为例,不同位置的窗户将作品分为前景、中景和后景。其中,前景的窗既是艺术家对物体的写实描绘,也是作品的起点和边界,还具备画框般的效果。中央的人物与前景和后景都有一段距离,这是应用透视的成果,也含蓄地呈现崇高的神义。远方的窗户连接着屋外的风景,增添了作品叙事的真实感,使观众在物质世界和精神信仰中自然地切换。

其次,窗是光源的客观入口。《阿尔诺芬尼夫妇像》中,光线从左方的窗户倾斜屋内,照耀着乔凡尼·阿尔诺芬尼与他的妻子琼尼·德·切纳米。光每经一处,便在表面留下不同的痕迹——轻柔的发丝、莹润的脸颊、稠密的服饰、润泽的珠宝和平滑的镜面,都在凡·艾克的笔触下精湛地保留下来。这不仅归功于他卓越的观察力和写实技法,也与其发明的油画材料息息相关。作为文艺复兴时期最早的室内画和风俗画,它突破了“三圣”肖像的主题,其“左窗右人”的构图方式,更影响了后世的艺术家。

此外,窗还是神学的象征。即使生活图景开始进入绘画,宗教画依然是当时绝对的主流。在这一层面上,由窗透入的光,不仅是自然之光,也是神圣之光。这一意象在同期绘画中屡见不鲜。

事实上,在同一时期的明代中国,由于造园风尚的兴起,同样引发艺术家们展开对窗的描绘。

他们不仅画窗、咏窗、还参与了园林的建设。其中“吴门画派”带来大量经典之作,尤以沈周《东庄图》、文徵明《拙政园三十一景图》为甚。

相比西方,中国古代书画讲究气韵,在视觉上强调整体性,鲜少对窗的细节逐一描绘。以《拙政园三十一景图》为例,文徵明采用平远的构图方式,使亭榭、松竹、流水在同——平面内展现。册页中但凡出现门窗,多为写意的矩形留白,除此之外,再无多赘述。这样的细笔淡墨,与当时精湛的花窗工艺迥然有异—注重移步易景的江南园林,仅月洞就有弦月、梅花、桂叶、花瓶等式样,漏窗纹样更具象、繁复得多。相较实景,画中窗寥寥数比,且少用皴法,仅用于交代雅士赏玩之场所,便足以暗示求道之心,高洁之意了。

有趣的是,尽管东西方的表现手法大相径庭,但“画窗同源”的理论却达到惊人一致。阿尔伯蒂提出“窗口理论”后,更多学者将窗与画框或边缘线联系起来;另一边,明清园林的造园者同样将门窗视为室外风景的取景框,清代美学家李渔曾感叹:“开窗莫妙于借景。”可谓殊途同归。

安东尼罗·德·梅西纳,《书房中的圣哲罗姆》

窗和女人经常出现在爱德华·霍珀的画中,是他经常描绘的题材

窗边女子:个性与时代的解放

当更多的绘画主题被允许,艺术家开始大胆描绘所见之窗,抒心中之景。至此,窗不再仅是信仰的投射,而是个人的情志与时代的佐证。我们可从“窗边女子”主题看到其中的差异性。

维米尔的作品大多构图相仿,视角相似,画中左侧常设一窗,或开或掩;即便无窗,光源的方向也暗示着它的存在。透过这扇窗,艺术家呈现了荷兰黄金时代的女性生活:写信、读信、抚琴、瞭望窗外或专注于其他事务。此外,室内精美的地图、昂贵的乐器、干净的瓷罐和材质绵密的挂毯无不暗示当时该国在经济、贸易、疆域等方面的富足。法国文艺理论家茨维坦·托多洛夫就曾指出:“最适用于十七世纪荷兰绘画的阐释,是将画面当作一种象征。这种方法既不会抹杀画家对现实的

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